TOP 25: LOS MEJORES SOLOS DE LA HISTORIA DEL ROCK (2)

Hace poco publicábamos la primera parte de esta lista de los que son, a mi juicio y el de @ZenasBlues, los 25 mejores solos de guitarra de la historia del rock. Dicha publicación correspondía a los puestos finales de la lista y ha suscitado críticas muy variadas. Puede que encontréis algo que rasca, pero recordad que estamos juzgando los solos por sí mismos y no los guitarristas (de ahí que podáis escuchar la canción correspondiente pinchando en el título). Si esta lista tratara de ordenar a dichos guitarristas según su carrera, tened por seguro que sería muy diferente. Así que, para que terminéis de opinar con todas las letras, os pongo los puestos de cabecera. Como siempre ocurre, no están todos los que son ni son todos los que están, pero espero que os guste.

15. Michael Schenker: Cry For The Nations. Aunque la mayor parte de la gloria se la haya llevado su hermano Rudolf (Scorpions), el pequeño de los Schenker tiene mucho que ofrecer. Un guitarrista que siempre ha ido por libre, capaz de hacer las mejores virguerías que podáis imaginar con su instrumento.

14. ZZ Top: La Grange. El que no haya escuchado alguna vez esta canción, viene de otro planeta. Un tema creado casi exclusivamente para uso y disfrute personal del master texano Billy Gibbons.

13. Deep Purple: Wring That Neck. Este directo está más allá de cualquier explicación. Un Ritchie Blackmore totalmente inspirado que, en esta noche de París en 1970, fue el primero en hacer sweeping delante de un público en vivo. Escuchar para creer.

12. Eric Clapton: Crossroads. Estamos seguros de que el señor Slowhand no necesita presentación. Ha hecho tantas maravillas a lo largo de su extensa carrera que es casi imposible decidirse, pero finalmente nos decantamos por este 'Crossroads' de su etapa en Cream.

11. Dire Straits: Sultans Of Swing. Que no hay otro como Mark Knopfler lo sabemos todos. Es el único capaz de conseguir ese sonido tan exclusivo y marca de la casa, el sonido de dedos contra cuerdas, sin púa de por medio. Todo un as.

10. Led Zeppelin: Black Dog. Jimmy Page nunca decepciona y menos en esta demostración que deja patente por qué era, es y sigue siendo uno de los mejores guitarristas del mundo. Y si no, para más señas, vayan ustedes al solo de 'Stairway to Heaven'. Ha habido que elegir, pero fácil no ha sido.

9. Van Halen: Eruption. Probablemente uno de los solos más reconocibles de la historia. Corto pero intenso, muy intenso, como la técnica y el estilo que siempre ha rodeado al bueno de Eddie.

8. Stevie Ray Vaughan: Lenny. Tiene que haber lugar para el hombre que reinventó la forma de escuchar y tocar el blues en los 80. Su técnica personalísima y magistral hace de lo simple algo único, como queda plasmado en este tema procedente de su concierto en El Mocambo de 1983.

7. Gary Moore: Parisienne Walkways. Otro de los grandes, desgraciadamente fallecido el pasado año. El único capaz de parir una obra maestra como lo es este 'Parisienne Walkways' en directo desde Montreux en 1990. Magia en cada nota desde el principio hasta el final.

6. Lynyrd Skynyrd: Freebird. Clásica entre las clásicas y por ello mismo imposible no ponerla. El trío guitarrero de Alabama nos dejó su mejor versión de esta oda a las seis cuerdas en el directo 'A Day On The Green' en el Oakland Coliseum de California en 1977.

5. The Eagles: Hotel California. Si nos gusta la versión en estudio, el solaco que se marca Don Felder en el famoso 'Unplugged' de 1994 no tiene parangón. Ojo a la intro en acústica que tampoco tiene desperdicio.

4. Rush: YYZ. Sobran las palabras para definir a este pedazo de monstruo que es el canadiense Alex Lifeson. Un solo de épicas proporciones que está más que a la altura del temazo que es 'YYZ'.

Y finalmente, el esperado momento. Señoras y señores, el podio es para...

3. Jeff Beck: Where Were You. El tercer puesto del podium va para otro guitar master. El hombre que hace que tocar la guitarra parezca tan fácil como respirar, que se saca de la manga maravillas como esta versión de 'Where Were You' con tal sutileza y delicadeza que parece apenas tocar las cuerdas. Este directo, como reconoceréis, es la famosa actuación del señor Beck en Ronnie Scott's en 2008.

2. Buckethead: Jordan. Decir que este solo (aunque mejor debería decirse la canción entera) mola es quedarse muy, muy corto. Pocos apelativos le harían justicia a un temazo tan impresionante y rico en matices guitarreros como lo es este, en un merecido segundo puesto.

1. Jimi Hendrix: Spanish Castle Magic. El primer puesto es indiscutible. Posiblemente el mejor guitarrista de todos los tiempos, tanto por su técnica, como por su originalidad, versatilidad, actitud, entusiasmo y mil adjetivos más. Esta versión de 'Spanish Castle Magic' procede de un directo en la Suecia en 1969.

SE ACERCA EL FINAL DE IRON MAIDEN

Lo primero de todo, os pido disculpas por la ausencia. Esta vez no ha sido cosa de mi habitual vaguería, he tenido problemas técnicos con blogger que me impedían utilizar el blog a pleno rendimiento.

Dicho esto, el título de la entrada no deja mucho a la imaginación. Efectivamente, en declaraciones a la revista británica 'Classic Rock', el líder de Iron Maiden, Steve Harris, afirmó que la trayectoria del grupo está llegando a su recta final. Si algo se puede extraer de la entrevista es, sin duda, sinceridad y mucha sensatez. Harris, que se encuentra en plena promoción de su disco en solitario, 'British Lion', explicó a los medios que ve cercano el momento en que la banda finalice su andadura tras casi cuarenta años sobre los escenarios. Los motivos: los evidentes. La edad ya no perdona y ante esa circunstancia, Harris declaró que teme no poder continuar con el nivel que el grupo siempre se ha exigido para satisfacer a los fans. Asismismo, aclaró que esta fecha de caducidad no es definitiva, sino una estimación, pero aseguró que 'no ve futuro a la banda más allá de diez años'. Para terminar, quiso dejar constancia de que esta 'decisión' (entre comillas, puesto que no hay nada decidido de forma oficial) es en beneficio tanto del propio grupo como de los fans, puesto que en palabras del propio Harris 'lo que nunca permitiré es que Iron Maiden se arrastre sobre un escenario'.

Así pues, parece que tendremos que ir haciéndonos a la idea de despedir a la Doncella en un futuro próximo. Como todos sabéis, son y han sido siempre mi grupo favorito. Mi opinión personal es que el argumento de Harris me parece de lo más lógico y sensato. Si ya no pueden mantener un nivel con el que ellos no se encuentran a gusto y no creen poder satisfacer a sus fans, lo mejor es que lo dejen en el momento adecuado, dado que una buena banda siepre debe intentar ofrecer lo mejor de sí mismos a su público.

Aquí podríamos entrar en una interesante polémica o discusión sobre esos 'grupos eternos', esas bandas que han anunciado su retirada repetidas veces, con numerosas giras de despedida que nunca resultan ser las últiamas, iniciando todo un ciclo de repeticiones absurdo desde mi punto de vista. Tomaré como ejemplo a los Rolling Stones, sin quitarles nada de su grandeza ni de su mérito. He perdido la cuenta de cuantas veces se han separado y han vuelto. ¿Estrategia de marketing? ¿Verdadera indecisión? Lo único que sé es que cuando esto sucede parece que los músicos en los que menos piensan es en los fans. Los Rolling Stones probablemente han aportado más a la historia de la música que ningún otro músico vivo actualmente, además de los Beatles. Lo digo con sinceridad y sin exagerar. Pero ¿realmente unos señores de setenta años que siguen dando conciertos creen poder dar a sus seguidores la calidad musical, profesional y de directo que realmente se merecen? Para mí la respuesta es no. Y no solo se trata de los conciertos. Para ejemplificarlo y como cierre de este artículo os dejaré con su último tema para que lo escuchéis, que a mi entender es una derivación blanda y sosa de 'Jumping Jack Flash'.

TOP 25: LOS MEJORES SOLOS DE LA HISTORIA DEL ROCK (1)

Es un hecho en este blog que todos saben: adoro las listas. Confeccionar listas supone todo un reto tanto objetivo como subjetivo, además de un trabajo teórico que no parece estar presente detrás de unos números y unas cuantas canciones. No intento darme coba en lo absoluto, pero es por eso que me gustan tanto.

A lo que vamos. Recientemente la revista Rolling Stone, de la cual tengo una opinión que deja bastante que desear en los últimos tiempos (por decirlo suavemente) elaboró una lista de los mejores 20 solos de guitarra de la historia según su criterio. Dadas las obvias discrepancias por mi parte, como viene siendo habitual, he decidido crear mi propia lista. Como suele pasarme, me he excedido ligeramente y me han quedado en 25 y no 20 los solos a destacar. Aun así creo que es una buena compilación, cuyo mérito no solo es mío sino también de mi colaborador permanente @ZenasBlues. Espero que os parezca cuanto menos correcta, estéis de acuerdo o no.

25. Queen: Bohemian Rhapsody. Estaréis pensando que la reina no puede estar en último lugar, pero qué demonios, los últimos serán los primeros. Brian May es un mago de las seis cuerdas de los pies a la cabeza y qué mejor ejemplo que la más grandiosa de las composiciones de Queen para ilustrarlo.

24. Boston: Foreplay/Long Time. Otra de las mejores y no suficientemente difundidas obras del AOR de los 70. Hay vida más allá de 'More Than A Feeling' y temas donde Tom Scholz puede explayar a placer todo su potencial como este 'Longtime'.

23. Kansas: Carry On My Wayward Son. No solo de teclados vive el rock progresivo y si no, nada más hace falta escuchar con atención el pedazo de solo que se marca Rich Williams en esta canción, así como la intro, que tampoco desmerece en absoluto.

22. Iron Maiden: Out Of The Silent Planet. Iron Maiden no es un grupo que realmente destaque por sus solos, sino que más bien lo hace por el fenomenal trabajo en equipo de sus guitarristas en cualquiera de las épocas. Sin embargo hemos creído conveniente que tuvieran cabida en esta lista y hemos elegido, aunque me ha sido muy difícil, un solo de la última época, donde confluyen los estilos experimentados de Dave, Adrian y Janick entremezclados en un tema más que perfecto.

21. Jethro Tull: Aqualung. A pesar de haber aparecido en todos y cada uno de los muchísimos discos de la banda, entre tan extenso trabajo ha sido indiscutible que la genialidad de Martin Barre en el tema estrella de los británicos gana por goleada.

20. Pantera: Floods. Resulta casi inconcebible que Dimebag Darrell compusiera este tema con tan solo 14 años. Mención especial merece la guitarra del final, un cierre perfecto a uno de los temas más queridos por los fans.

19. Metallica: Orion. Posiblemente una de las obras maestras de los de San Francisco. Kirk Hammet saca a relucir todo su potencial en la mejor creación instrumental de Metallica, con ayuda de James Hetfield, que posteriormente serviría de oda fúnebre al difunto Cliff Barton.

18. Angra: Fireworks. La canción más famosa de los brasileños no lo es por nada. Toda una declaración de intenciones por parte de Rafael Bittencourt. ¿Quién dijo que en Sudamérica no puede haber guitar masters?

17. Ozzy Osbourne: Bark at the Moon. Cierto es que muchos y muy buenos guitarristas han acompañado al Madman en su andadura en solitario, pero con perdón de Randy Rhoads y Zakk Wylde elegimos el solo de 'Bark at the Moon' de de Jake E. Lee. Simplemente impresionante.

16. Megadeth: She Wolf. Definitivamente algo debió pasarle a Dave Mustaine en este concierto en Arizona en 2002, porque tanta genialidad junta en el solo de 'She Wolf' resulta más que espectacular.

(Hasta aquí por el momento. Son muchos solos para asimilarlos de golpe, así que en próximas entradas os daré la cabecera de la lista. ¡Sed pacientes!)

EPIC METAL

Lo bueno de la música es que tiene la capacidad de estar presente en todos los aspectos y en todas las plataformas imaginables en esta vida, por eso hoy voy a empezar por algo diferente: el mundo de los videojuegos. Comenzando por el Guitar Hero, donde gracias a una guitarra de plástico cualquiera podía sentirse estrella de rock, la música ha ido teniendo cada vez más presencia en los juegos, más allá de su papel de mero acompañante

Supongo que muchos lectores conoceréis o incluso habréis jugado al videojuego 'Brütal Legend' de EA. Este juego, lanzado en el año 2009, nos lleva a través de los periplos del pipa de una banda de rock, al cual presta su imagen y dobla el gran Jack Black, protagonista de las películas 'Escuela de Rock' o 'La Púa del Destino' y miembro de la banda de rock 'Tenacious D', cuyo tema 'The Metal' apareció, precisamente, en el 'Guitar Hero III: Legends Of Rock' (vamos, que todo queda en casa). Eddie Riggs, que así se llama el protagonista, emprende un viaje asombroso por la tierra del metal, siendo el elegido para liberarla de la opresión de los malvados hair-metaleros y otra serie de estrambóticos personajes que impiden que el rock campe a sus anchas por aquel mundo. En el juego aparecen también caracterizados y prestando sus voces otras estrellas del rock como Lemmy Kilmister (Motörhead), Ozzy Osbourne (Black Sabbath) o Rob Halford (Judas Priest).

Lo cierto es que aún no lo he terminado, pero si os gusta el metal tanto como a mí os lo recomiendo. No es excesivamente complicado y es muy divertido de jugar, aunque eso sí, jugad si podéis la versión original en inglés, ya que el doblaje en español deja bastante que desear, empezando porque la voz de Jack Black la pone Santiago Segura. Sobra decir que tiene una banda sonora impresionante, y aquí es donde realmente empieza el artículo de opinión que voy a hacer hoy. Como siempre digo antes de empezar, esto es una opinión personal basada exclusivamente en mi criterio. Sois libres de compartirla o no, de que os guste o no. Si se da la última circunstancia, tenéis dos opciones: dejar de leer e iros por donde habéis venido tranquilamente o rebatirla con educación y argumentos coherentes. Las críticas del tipo 'es una mierda y no tienes ni puta idea, gilipollas' lo siento pero no me valen. No me aportan nada y un intercambio de opiniones está para eso.

Dejado claro este punto, resulta que en la lucha contra uno de los jefes del juego nos encontramos con que la banda sonora es algo tan épico como esto:

Evidentemente, mi primera reacción es investigar por qué existe algo tan jodidamente épico y no sabía de su existencia. La canción se llama 'Cry of the Banshee' y el grupo son unos tales Brocas Helm, unos americanos de los que nunca he oído hablar. El segundo paso es curiosear por youtube y darme cuenta de que todas las canciones son igual de brutales. Pero no acaba ahí la cosa. El maravilloso mundo de vídeos relacionados me manda estas preciosidades:

Los primeros son los californianos Omen, compañeros cercanos de Brocas Helm. Los segundos, los suecos Heavy Load, representantes del mejor metal del norte de Europa. Y los terceros, los también americanos Manilla Road, procedentes de la localidad de Wichita, Kansas. Por supuesto, he corrido a investigarlos a todos (en lo cual me ha ayudado mucho la web www.metal-archives.com). Estos grupos se formaron entre mediados de los setenta y principios de los ochenta, mientras se sucedían movimientos como el nacimiento del punk, la NWOBHM o la aparición del glam-rock ochentero y los grupos de principios de los setenta empezaban a decaer de las primeras filas del panorama musical.

En un principio, pensé que el power metal se había inventado mucho antes de lo que yo creía. Pero escuchando con atención, creo que esto va más allá. Cierto es que comparte puntos en común con este género, principalmente sus letras épicas, fantásticas y mitológicas, incluso las portadas típicas de este tipo de grupos. La principal diferencia que encuentro es que en lugar de centrarse en este único terreno, esta música es casi 'metal por el metal'. Una especie de culto a este género musical que, aunque arquetípico, está sorprendentemente bien elaborado (no tenéis más que ver el título de la canción de Heavy Load).

Desconocía que existiera metal (a secas) de tan buena calidad y creo que una gran parte del mundo lo desconoce también. Prueba de ello es que se rinde tributo a bandas como Manowar o Dragonforce como grandes exponentes del metal y yo no puedo hacer otra cosa que disentir. Creo que esos grupos están increíblemente sobrevalorados y no hay más que escuchar a estas bandas para darse cuenta. Ritmos sencillos en 4/4 de toda la vida, riffs que beben del heavy de los setenta y voces acompañadas de coros para dar el efecto deseado. Pero ante todo simpleza. Porque no hace falta complejidad para crear algo épico y brutal. No es necesario el abuso del doble bombo o esos riffs y solos de guitarra imposibles con veinticinco notas por segundo. No sé en qué momento se decidió que el músico que tocaba más rápido era el mejor, pero desde luego no comparto esa idea. Especialmente si en su afán por correr se atropella en las notas y aquello se convierte en un barullo de crujidos sin sentido, como le ocurre al de Manowar... Por mucho que sea su sello personal. Y si no lo creéis, escuchad el solo de 'Battle Cry' de Omen. Un buen solo de heavy metal, ni muy rápido ni muy lento, con la duración justa y adecuada. Lo mismo se podría decir del de 'Cry Of The Banshee' de Brocas Helm.

Por eso creo que bandas como las que os he presentado hubieran merecido mucha más difusión en su momento, un lugar mejor en las páginas de la historia musical por su grandísima aportación al heavy metal y más reconocimiento. Desgraciadamente no hay sitio para todos en el Olimpo musical y no siempre los que están arriba son los que más se lo han ganado. Pero sin duda alguna estos grupos sí se han ganado a pulso pertenecer al género en el que se las engloba: epic metal.

SONISPHERE MADRID 2012 (2)

Cómo se nota el verano. En Raised On Rock no cerramos por vacaciones, pero el calor invita a otras cosas y aleja mis dedos del ordenador, aunque no mi mente de la música. Por ello después de un improvisado descanso volvemos a la carga con todo el rock. Pero primero, la asignatura pendiente.

Completamos la segunda parte de la crítica objetiva del festival Sonisphere 2012 en España con los conciertos del sábado 26. Una vez más, gracias a los colaboradores de que han hecho posible estas entradas: mi compañero Alfon y mi amiga @CircoAbsurdo de Bajo Luz Octarina.

La primera actuación del día fue la de los madrileños Vita Imana. Un grupo peculiar que mezcla varios géneros musicales, desde el hardcore hasta el groove, acompañado por una espectacular percusión que es el sello personal de estos españoles que sorprendieron para bien dando el pistoletazo de salida a esta segunda jornada.

Los siguientes en saltar al escenario fueron los esperadísimos Children of Bodom. Un buen concierto en líneas generales, en el que un público con amplia presencia femenina disfrutó de un show si no único, bastante digno. Se podrían encontrar dos únicas pegas: una posible mala ecualización de la batería, que se escuchó demasiado alta, y la falta de algunos temas imprescindibles en el setlist como el mítico 'Hate Crew Deathroll' o 'Sixpounder' entre otros.

Llegó después el turno de Withim Temptation. Teniendo en cuenta que compartían cartel con los americanos Evenescence, las comparaciones entre ambas vocalistas son inevitables. Según parece la armonía vocal de Sharon den Adel superó a la de Amy Lee, pero no cuento con una crítica fiable de Evanescence para poder afirmarlo. Los holandeses cumplieron con su cometido y el público quedó satisfecho y encantado con la simpatía de Sharon. Un detalle a comentar es la distribución del escenario, con la batería a un lado y el teclado en el centro, algo completamente inusual en un festival de estas dimensiones, que quizá afectara a la percepción del sonido tal y como estamos acostumbrados a escucharlo en directo, aunque ello no desmerece ni empaña la actuación del grupo en absoluto.

Y llegamos a los dos platos fuertes del festival. En primer lugar la mítica banda de thrash metal Slayer, con un concierto marca de la casa que el público vivió y disfrutó a tope desde el primer momento. Un Kerry King totalmente entregado que conserva su vitalidad como si fuera ayer y que forma un dúo guitarrero perfecto con Hanneman sin ensombrecer la voz y el bajo de Araya. El momento culminante, como no, 'Raining Blood'.

Y para cerrar el festival como es debido, lo que todos esperaban: Metallica. La banda, inmersa en una gira mundial que rememora uno de sus mejores trabajos, el 'Black Album' (1991), ha demostrado que su valía en directo sigue intacta, a pesar de las fuertes críticas a los trabajos de estudio de su última época. El concierto comenzó de una forma curiosa, con la intro de la película 'El Bueno, el Feo y el Malo' previa a la ejecución de los clásicos 'Hit the Lights', 'Master of Puppets', 'Fuel' y 'For Whom the Bell Tolls'. Todo no podía ser perfecto, ya que James y los chicos dejaron sitio para 'Hell and Back' de su penúltimo disco 'Death Magnetic'. Volvieron a la carga con temas igual de inmortales como 'Enter Sandman', 'Wherever I May Roam' y la indispensable 'Nothing Else Matters' como momento suave de la actuación, antes de poner un perfecto broche final con 'Battery', 'One' y 'Seek & Destroy'. La voz de James Hetfield, pese a las últimas críticas, no decepcionó, al igual que su guitarra, ganándose al público con ambas desde el primer momento. Quizá un poco flojos en cuanto a sonido el bajo de Trujillo y la guitarra de Hammet. En todo caso, un concierto muy bueno que trae a los mejores Metallica desde hace mucho tiempo.

 

En resumidas cuentas, esta tercera edición del Sonisphere en España pasa con un aprobado alto tanto en organización como en distribución, alojamiento y cartel, aunque este último quizá fuera demasiado ecléctico, echándose en falta algunas bandas de mayor calibre para un festival de grandes dimensiones, tales como en las pasadas ediciones Iron Maiden, Twisted Sister o Megadeth. Habrá que ver si el año que viene se celebra una cuarta edición y, de ser así, qué es lo que nos depara.

MUERE JON LORD, FUNDADOR DE DEEP PURPLE

Otra triste noticia para el mundo de la música: Jon Lord, el teclista y miembro fundador de la mítica banda de rock Deep Purple, falleció ayer por la noche a los 71 años de edad a causa de un cáncer contra el que luchaba desde hacía tiempo.

Lord formó Deep Purple en 1968 junto a Ritchie Blackmore, Ian Gillan, Ian Paice y Roger Glover. A él le debemos temas consagrados que forman parte inamovible de la historia del rock como 'Highway Star', 'Space Truckin', 'Child In Time', 'Burn' y, por supuesto, 'Smoke On The Water', quizá la canción de rock más famosa de todos los tiempos (con permiso de los Beatles y sus Satánicas Majestades, claro).

Incansable en su actividad, formó parte también de otro de los grandes grupos de los 80, Whitesnake, junto al que también sería su compañero en otra de las formaciones de Deep Purple, David Coverdale. Virtuoso, melódico, siempre apegado a su órgano Hammond, Lord era un gran amante de la música clásica Tanto, que terminó varias piezas incompletas para órgano de Bach, su mayor ídolo. Esta devoción quedó patente y recogida para la posteridad en el grandioso 'Concert For Group & Orchestra' que Deep Purple grabó con la Orquesta Filarmónica de Londres en el Royal Albert Hall y cuya autoría se debe excluisvamente a Lord.

En definitiva, no hay mucho más que contar. Nos ha dejado el hombre tras las teclas, sin el cual no hubiera sido posible escribir esa parte de la historia de la música. Hubiera sido impensable concebir Deep Purple sin el sonido dulce y eléctrico de su piano, que tanto caracteriza unos temas que son ya inmortales. Como Jon Lord, que forma parte de un recuerdo que estará siempre con nosotros cada vez que suene el mítico inicio de 'Lazy'. ¿Hay mejor carta de presentación que esa?

NOTICIAS VARIAS

Hoy amanecemos con otra mala noticia. La banda británica Black Sabbath no gana para desgracias este año y esta vez le ha tocado a Ozzy Osbourne. Apenas dos semanas después del nacimiento de su nieta, a su hijo menor, Jack, se le ha diagnosticado esclerosis múltiple. La noticia no podía venir en peor momento: Jack, de 26 años de edad, está prometido con su novia y acaba de ser padre. No se sabe aún si este desafortunado suceso incidirá en la gira de verano que Ozzy Osbourne & Friends tienen programada por todo el planeta.

En cualquier caso, tanto los miembros de la banda como diversas personalidades de la música y fans anónimos han mostrado su apoyo al hijo del cantante, que agradeció públicamente estas muestras de cariño en su twitter personal. Recordamos que la esclerosis múltiple es una enfermedad neurodegenerativa que afecta al sistema nervioso central y no tiene cura, aunque se pueden reducir considerablemente sus efectos. No es un mal desconocido en el mundo de la música: el batería de la formación original de Iron Maiden, Clive Burr, sufre EM desde hace varias décadas. Aquello originó que sus compañeros organizaran varios conciertos benéficos en su honor, conocidos como Clive Aid, y fundaran la Clive Burr MS Trust Fund para ayudarle a superar los problemas de su enfermedad.

Y para terminar el post con un poco de optimismo, anunciamos que la mítica banda británica Jethro Tull actuará en Madrid el próximo 12 de julio como parte del programa de los Veranos de la Villa. El concierto tendrá lugar en el Teatro Circo Price (Ronda de Atocha 35, Metro/Renfe Embajadores) y el precio de las entradas variará entre los 30€ y los 45€ dependiendo de la situación (para más información consultar la página oficial y la distribución del teatro). El grupo liderado por el flautista Ian Anderson presentará su último trabajo Thick As A Brick 2, la secuela del aclamado álbum setentero Thick As A Brick. Aunque, y este es el pero, parece ser que el único miembro original de la formación será el propio Anderson, ya que el disco está firmado bajo el nombre de Jehtro Tull's Ian Anderson. Seguiremos informando al respecto.

SONISPHERE MADRID 2012 (1)

Intentando recuperar el ritmo normal de publicación, voy a ofrecer una visión objetiva por primera vez en este blog. Hace un par de semanas se celebró la tercera edición del Sonisphere en España. Yo no estuve allí pero voy a intentar dar una relación de los hechos, de la mano de mis informadores de primera que tuvieron la dicha de asistir: @CircoAbsurdo de Bajo Luz Octarina y mi compañero Alfon, que ya ayudó en pasadas entradas con la confección de la lista de cantantes.

Antes de empezar con lo musical, un pequeño comentario acerca del festival en sí. Como pudisteis leer en entradas anteriores, este año se cambió la ubicación del Cerro de los Ángeles al Auditorio John Lennon, ambos en Getafe. La principal ventaja de ello fue que los 54.000 asistentes (cifras oficiales según la web de Sonisphere) pudieron disfrutar de una necesaria y agradecida sombra en los escenarios la mayor parte del tiempo, además de evitar las incómodas polvaredas que se generaban en la antigua localización, al tratarse de un polígono industrial en lugar de un espacio natural. Otro plus era que al estar más cerca del pueblo era más cómodo y fácil desplazarse a por comida, hielo, etc. Las desventajas: una zona de acampada situada a pleno sol donde se hacía insoportable permanecer en las tiendas a partir de una determinada hora. Tampoco se habló bien de las zonas VIP de las primeras filas. En cuanto a la organización del festival, opiniones para todos los gustos. Parece ser que hubo algo de confusión con el tema de la entrega de las pulseras y bastantes asistentes acabaron algo molestos.

Ahora vamos a lo que importa: los conciertos. Tengo que pedir disculpas con antelación, ya que como este año había dos escenarios en lugar de uno, era físicamente imposible asistir a todos los conciertos, por lo que algunos grupos los dejaré sin comentar, ya que no he podido conseguir información.

Comenzamos el primer día con Skindred, una actuación que complació al público gracias a la interacción de sus miembros con el público y al detalle de utilizar como introducción la Marcha Imperial de Star Wars. Acto seguido salieron Limp Bizkit, que hicieron disfrutar a su público como nadie, especialmente en el momento en que el cantante Fred Durst bajó del escenario.

 

 

A continuación uno de los platos fuertes: Offspring. Los californianos no acabaron de convencer, con un concierto muy en la línea del que ofrecieron el pasado año en el festival En Vivo. El mejor el guitarrista Noodles; no obstante el público disfrutó lo que pudo a pesar de la frialdad del líder Dexter Holland.

Opiniones diversas es lo que me he encontrado respecto al concierto de Soundgarden, uno de los grupos más esperados. Los hay que sitúan su actuación entre las tres mejores del festival, en contraposición a quienes opinan que se hizo un poco aburrida en ciertos momentos. Parece que algunos temas repetitivos, un guitarrista y bajista bastante estáticos y el hecho de que el vocalista Chris Cornell no estuviera tan brillante como esperaban son algunos de los motivos. Destacaron en cambio un enérgico Matt Cameron a la batería y los temas 'Rusty Cage', 'Blow Up The Outside World' y 'Black Hole Sun'. Aunque insisto en que no faltan los que salieron de ese concierto con un gran sabor de boca.

El último grupo a comentar de este día es Machine Head, también esperadísimos. Parecen estar en su mejor momento y el público en general terminó encantado, a pesar de que su música puede resultar difícil de digerir en los primeros momentos por sus altibajos. Potentes, cercanos al público y casi pasándolo tan bien como ellos a pesar de ciertos problemas técnicos en la guitarra. Un concierto que no defraudó a nadie y los posiciona sin duda como una de las mejores bandas del Sonisphere.

Para terminar, no dispongo de información sobre Kyuss Lives! pero se comenta que la formación original de Kyuss (excepto Josh Homme) ofrecieron una buena actuación a pesar de ser algo desconocidos para el público español en líneas generales.

(Esto es todo por el momento. En próximas entradas, la segunda parte del festival).

OZZY OSBOURNE CANCELA SU CONCIERTO EN MADRID

No ganamos para disgustos este año en cuanto a conciertos se refiere, y de nuevo los británicos Black Sabbath son los culpables. Después de marear la perdiz durante meses (os recordamos: cancelación de la gira por la enfermedad de Iommi, cambio del concierto de Black Sabbath en Vitoria por el de Ozzy & Friends, renuncia del batería Bill Ward a girar con sus compañeros Ozzy y Butler en esta formación y nuevo concierto en Madrid) el grupo de rock ha anunciado que finalmente no tocará en Madrid.

El concierto, previsto para el día 13 de junio en el Palacio Vistalegre de Madrid, no se celebrará por 'problemas logísticos y de agenda', según el comunicado oficial. Aquellos que ya hayan adquirido la entrada pueden recuperar el importe de la misma en el punto de venta en el que la adquirieron. Además, la organización ofrece la opción de canjearla por un bono de tres días para el Azkena Rock Festival, donde sí actuarán los ingleses y que se celebrará los días 14, 15 y 16 de junio en Mendizabala (Vitoria). Para ello, los interesados deberán escribir un e-mail al correo electrónico de la organización: info@lasttourinternational.com.

TOP 15: LAS MEJORES VOCES DEL ROCK

La semana pasada, la ya no tan prestigiosa revista musical Rolling Stone publicó la lista de los diez mejores cantantes de la historia. Las diez mejores voces, a su juicio, de todos los tiempos. Mi amigo e incontestable melómano @absentizofreniko y yo no podíamos estar menos de acuerdo, por lo que decidimos hacer un gran 'fuck you' a todos esos progres modernillos que se las dan de entendidos en la redacción de Rolling Stone y hacer nuestra propia lista. Como siempre, no están todos los que son ni son todos los que están, pero hay tantísima calidad y tanto donde elegir que ha sido una ardua tarea reunir a los privilegiados. Así que, en estrecha colaboración con Dolor de Cabeza (y la inestimable ayuda de nuestro compañero Alfon) os traigo la lista de las quince mejores voces del rock.

 1. Robert Plant (Led Zeppelin)
 2. Freddie Mercury (Queen)
 3. Ian Gillan (Deep Purple)
 4. Ronnie James Dio (Rainbow, Black Sabbath, Dio, Heaven & Hell)
 5. Elvis Presley
 6. Rob Halford (Judas Priest)
 7. Chris Cornell (Soundgarden, Temple of the Dog, Audioslave)
 8. Mick Jagger (The Rolling Stones)
 9. Jim Morrison (The Doors)
10. Roger Daltrey (The Who)
11. David Bowie
12. Bruce Dickinson (Iron Maiden)
13. Axl Rose (Guns & Roses)
14. Klaus Meine (Scorpions)
15. Janis Joplin

CAMBIOS EN EL SONISPHERE 2012

El festival Sonisphere está dando mucho que hablar este año: la cancelación de la edición británica, el anuncio de los grupos prácticamente con cuentagotas... Y no se vayan todavía, que aún hay más. Hoy se ha publicado un comunicado en la página oficial de Sonisphere España para informar del cambio de ubicación del festival. Al parecer y una vez más debido a la crisis económica, la organización del festival y el Ayuntamiento de Getafe no pueden solventar algunos inconvenientes que conlleva la celebración del evento en el Getafe Open Air, el espacio habilitado para ello los dos últimos años. La principal razón, según han explicado, es el terreno, que ocasiona una enorme polvareda que dificulta e incomoda el transcurso óptimo de los preparativos y conciertos.

Así pues, se ha decidido trasladar el festival al Auditorio John Lennon de Getafe, que al ser una explanada asfaltada al aire libre evita el problema del polvo. Cuenta además con un espacio verde para 20.000 tiendas de campaña y más baños y zonas higiénicas para comodidad de los asistentes. Asimismo, para evitar contaminación de tipo acústico, se acondicionarán dos escenarios y no tres. Se ha publicado ya la distribución de escenarios, días y horarios de los grupos.

Medios de transporte al Auditorio John Lennon (Getafe)

(Pinchando en los links tenéis horarios y planos de trenes, metros y autobuses)

- Cercanías Renfe: línea C3 (Aranjuez), parada Getafe Industrial.

- Autobús: línea interurbana 442 (salida desde Plaza Elíptica), parada Avenida de Aragón.

- Metro: línea 12 (metrosur), parada Juan de la Cierva.

- Lanzadera al Polígono Industrial: sólo el viernes 25 (laborable).

- Coche: desde el centro de Madrid, carretera de Toledo hasta la salida 14 (Sector 3) que enlaza con el paseo de John Lennon.

- Taxi: desde el centro de Madrid (Sol), 15-20 minutos, precio 20-30€.

- Está prohibido acceder en vehículos particulares o taxi hasta la entrada del recinto.

Distribución y horarios

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CONCIERTO DE MICHAEL SCHENKER

Últimamente estamos que tiramos la casa por la ventana con los conciertos. Por desgracia de momento parece que no va a haber más en lo que resta de año, a no ser que anuncien algo de última hora. Pero ahora eso es lo de menos, porque vengo a hablaros del último al que asistí: nada más y nada menos que el de Michael Schenker.

Jueves 3 de mayo en mi ya conocida sala Marco Aldany (antigua sala Heineken). Ambiente expectante pero relajado, se nota la salida del puente y la semana de sólo dos días laborables. Poca gente en el local, lo cual en un principio me inquieta. No sólo porque Schenker merece mucha más difusión y respeto del que se le tiene (en mi opinión), sino porque el público es importantísimo cuando uno se encuentra encima de un escenario. Como dato, destacar que la media de edad del local es de unos 50 años, década arriba, década abajo. Es una pena que Schenker no haya llegado hasta los oídos de las generaciones más jóvenes de la misma forma que otras bandas.

Ocho y diez de la tarde. Aún me quedaba un largo rato de espera y, mientras pensaba como matar el tiempo, empiezo a notar mucho movimiento en el escenario. Demasiado pronto. Y entonces viene la primera sorpresa de la noche. Unos teloneros de los que nada sabía hacen su aparición. Se ganaron mi simpatía antes incluso de empezar a tocar por un detalle, y es que suben al escenario desde abajo y con los instrumentos en la mano, algo completamente inusual. Me llama la atención también la disposición en el escenario: todos alineados, incluso el batería, sin apenas espacio para moverse. A pesar de todo se lo toman con humor y el cantante bromea con ello.

Empezó así un espectáculo cuanto menos, interesante y curioso. El grupo se llama Karelia, son franceses y por lo que he averiguado ya tienen cuatro discos a sus espaldas, nada mal. El grupo no me desagradó, aunque tampoco me volvió loca, pero he de decir que disfruté mucho con su concierto. La cuestión es que no podría definirlos dentro de un estilo concreto: cada canción estaba impregnada de un sonido propio, personal, y al mismo tiempo cada una era diferente. Pude escuchar thrash, hard rock, heavy metal, rock melódico, rock sinfónico, rock electrónico (tipo Rammstein pero sin llegar al industrial) e incluso algo de goth-rock. También se marcaron una versión de 'The Show Must Go On' de Queen verdaderamente digna (nunca es fácil versionar a una leyenda de tal calibre). Todo eso en un concierto de poco menos de una hora. Mención especial para el cantante, que además de tener un registro increíblemente amplio es un frontman espectacular, super simpático con un público que sabe a lo que ha venido. Aun así lograron meterse a la gente en el bolsillo e ir caldeando el ambiente para terminar con un buen sabor de boca.

Mientras meditaba sobre la buena impresión que me he llevado de los franceses (que bajan al escenario por donde han subido), me doy cuenta de que la sala está llena hasta los topes. Y pensar que al principio me preocupaba la ausencia de público. Parece que Schenker sigue conservando a sus fans acérrimos de siempre. Gracias a la rapidez de los pipas el esperado momento llega antes de lo que creía. Me quedo sin palabras al ver a Schenker con su Flying V blanca y negra, una imagen clásica que se graba en mi retina como si el tiempo se parase.

Qué decir. Un concierto impresionante de principio a fin, repleto de clásicos de MSG, UFO, Scorpions y de su carrera en solitario, incluyendo un tema del nuevo disco. Una banda de una calidad musical superior en todos los sentidos, y cómo no, con el elenco de genios que acompaña a Schenker: los ex-componentes de la formación clásica de Scorpions Herman Rarebell (batería) y Francis Buchholz (bajo), el teclista Wayne Findlay (también guitarra rítmica) y el ex-cantante de Rainbow o Yngwie Malmsteen entre otros Doogie White. Músicos increíbles todos ellos: un bajista y un batería que se entienden a la perfección, fruto de largos años juntos sobre el escenario, un teclista que alterna este instrumento con la guitarra rítmica de una forma que jamás había visto, y un cantante mezcla de Bill Byfford de Saxon y Jack Black, que se nota que viene de la vieja escuela y al que se ve cómodo en directo. Y del propio Schenker qué voy a decir que no se haya dicho ya. Un genio de la guitarra, un ser de otro mundo. Puede parecer algo frío, inexpresivo o distante del público, pero se nota que se comunica a través de su guitarra, intentando alcanzar una perfección ya superada con creces. Rasgueos, punteos y solos alucinantes, vibrantes, que te ponen los pelos de punta. Esa Flying V que parece una prolongación de su existencia. Algo que no se puede explicar si no lo vives.

Sin duda hubo varios momentos álgidos durante el show, de los cuales yo destacaría dos. El primero, cuando sonó 'Rock You Like a Hurricane' de Scorpions, algo completamente inesperado. Las canciones de la primera época de Scorpions no impactaron especialmente, puesto que Schenker participó en esos discos, pero ese tema era algo que nadie esperaba oír. Y cómo lo vivió el público; no por nada es uno de los himnos insignia del rock and roll. Por otro lado, el final del concierto, con la canción estrella que no podía faltar y que esta vez todos esperábamos: 'Doctor Doctor'. Apoteósico final, broche perfecto de un concierto irrepetible, con un público absolutamente entregado. Más que hombres respetables que rondaban la cincuentena parecían chavales que hubieran regresado a sus 20 años. O al menos eso sentí yo cuando en 'Holiday' se encendieron los mecheros como manda la tradición de los años 80, hoy día sustituida por las pantallas de móviles y aparatos electrónicos diversos. Un bonito detalle que, junto a todo lo demás, vino a significar que la música que te llena nunca te abandona tengas 20 o 50 años, y que Schenker sigue manteniendo a una legión de seguidores orgullosos de envejecer con él, y para mejor, como el buen vino.

En resumen, una noche única y desde luego irrepetible, un concierto con el que cualquiera hubiera disfrutado aunque no hubiera escuchado a Schenker en su vida. Un hombre que juega con la música como quiere y transforma cada acorde y cada nota en puro rock and roll. Dos horas de concierto que sirvieron para convertir una sala de conciertos, según lo prometido, en el 'templo del rock'.

Michael Schenker@Sala Marco Aldany (Madrid)

- Into the Arena
- Armed and Ready
- Lovedrive
- Another Piece of Meat
- Cry For the Nations
- Let Sleeping Dogs Lie
- Coast to Coast
- Assault Attack
- Before the Devil Knows You're Dead
- Lights Out
- On and On
- Let It Roll
- Shoot Shoot
- Rock You Like a Huricane
- Rock Bottom
- Holiday
- Blackout
- Doctor Doctor

EL POR QUÉ DE LA MÚSICA

Antes de empezar, dado el tipo de entrada que voy a hacer, quiero decir algo sobre el blog. Este es un blog de información, entretenimiento y también de opinión. Mi objetivo al escribir es informaros de las últimas noticias, que os entretengáis con los artículos o exponer mi punto de vista sobre cualquier cosa, ya sea un grupo, un concierto, un disco, etc. Para mí la mayor felicidad no es obtener muchos comentarios, sino que al leer descubráis cosas interesantes que no sabíais sobre un grupo, que os sirva la información que encuentro, que una opinión mía os haga reflexionar o simplemente que os guste lo que leéis, aunque no descubráis nada nuevo. Ese es el valor que tiene este blog para mí.

Digo esto porque quiero que sepáis algo. Yo tengo por principio no hablar sobre lo que no entiendo. Cuando escribo sobre algo lo hago con la seguridad de que sé de qué estoy hablando. Significa que estoy puesta en el tema, bien porque tengo conocimientos o, si no los tengo, porque me he informado de ello. Asimismo, cuando escribo una opinión aviso siempre de que es personal y subjetiva. No es una verdad irrefutable, es más, estoy encantada de discutirla con cualquiera que piense algo distinto. No me gusta la gente cerrada y las opiniones están para eso, para ponerlas en común y enriquecernos.

Todo esto viene a cuento por dos cosas. Primero, porque en el comentario del concierto del Reno Renardo recibí algunas respuestas de gente que estuvo allí y, literalmente, me tachó de ignorante porque su opinión no coincidía con la mía. Una opinión es subjetiva, por lo tanto no puede ser acertada ni correcta. Yo no obligo a nadie a leer este blog, cada uno entra porque quiere; tampoco obligo a comentar. Lo único que os pido es que seáis respetuosos y lógicos a la hora de criticar. Que las críticas sean fundamentadas y no algo en plan 'como no estoy de acuerdo con tu opinión no tienes ni idea de nada'. Las críticas justificadas, por favor, no gratuitas.

El segundo punto es que ahora voy a tocar un palo que no controlo mucho, por eso quiero avisar de antemano que no estoy muy puesta en el tema y que me perdonéis si hay algún error en lo que voy a escribir, pero es necesario utilizarlo para lo que quiero expresar. Gracias por vuestra comprensión.

Ayer, en el coche de un compañero, tuve la ocasión de venir todo el camino escuchando techno. Empecé pensando lo poco que me gustaba ese tipo de música y después de ver cómo mis tres compañeros la elogiaban altamente, intenté reflexionar el por qué de mi desaprobación. Eso me llevó a algo mucho más profundo y enrevesado. ¿Por qué hacemos música? ¿Para qué hacemos música?

De la canción que sonaba mientras le daba vueltas a todo esto no puedo decir mucho, por desgracia, porque no sé ni el título ni el autor (de lo contrario la pondría aquí para ejemplificar mejor). Sí puedo decir lo que escuché. Se trataba de ritmos superpuestos uno sobre otro para crear una textura armónica más o menos compleja, todo ello electrónico. La ejecución era perfecta, el ritmo, el tiempo, todo era milimétrico. Supongo que con un ordenador tampoco hay mucho lugar a errores de ese tipo, pero tampoco sé si es más o menos difícil, así que no voy a quitarle mérito al autor. El caso es que podías predecir cuándo iba a cambiar la canción simplemente contando los compases, algo que me llamó la atención. En resumen, se podría decir que la música era perfecta. Sin embargo, a mí no me producía nada. Me dejaba completamente indiferente, vacía, más allá de que me gustara o no.

Eso me llevó a pensar que quizá esa música no me gustaba por lo deshumanizada que me resultó. Dejando a un lado el estilo que prefiera cada uno, yo creo que cuando uno oye música tiene que producirle alguna sensación, aunque no le guste. Para mí lo peor que puede pasar es que oigas algo y te deje indiferente. En mi opinión, si haces música es para tratar de transmitir algo a quien te escucha, ya sea tranquilidad, energía o ganas de bailar. No fui capaz de encontrar nada de eso en las bases electrónicas creadas con un ordenador, a pesar de su intachable perfección. La música no tiene que ser perfecta, tiene que provocarte una respuesta al igual que cuando miras un cuadro, lees un libro o ves una obra de arte. Porque creo que la música también es un arte, un arte incluso mucho más profundo e inexacto, ya que no entra por los ojos, que es como estamos acostumbrados a percibir el mundo. Por eso creo que es más directa y que, por eso mismo, es tan importante el mensaje que un músico le imprime a sus canciones. Es también una forma de dejar su huella personal, no para decir 'esta canción es mía', porque la música no pertenece a nadie por mucho que las discográficas se empeñen en ello. Simplemente para decir 'mirad, esto es lo que sentí/pensé/me inspiró cuando creé está canción, quiero compartirlo con vosotros, quiero haceros llegar lo que esta canción significa para mí'. Y luego que cada uno lo interprete a su manera. Eso es para mí lo bonito, lo especial, lo particular de la música, y desde luego es el criterio que yo sigo a la hora de componer y tocar música, es lo que me hace querer compartir esa música con el resto del mundo.

Esto no es una crítica a la música techno, ni mucho menos, espero que nadie lo interprete así. He utilizado el techno como ejemplo desde mi absoluta ignorancia para ilustrar lo que quería expresar. Respeto a quien le guste, pero para mí nunca tendrá tanto valor como un rasgueo de guitarra o los matices de una voz; me parece mucho más cercano, mucho más real. Quizá me estoy poniendo romántica; que así sea. Creo que nunca podré escuchar nada que me llene tanto como esto: